L’atelier de la première année de Bloc 2 s’attèle à approfondir les bases acquises au Bloc 1. L’atelier aborde des notions aussi diverses que les technique d’animation, la 3D réalisées par ordinateur, les techniques utilisées pour réaliser des œuvres en temps réels et interactives ainsi que la programmation.

Plusieurs exercices sont à réaliser par les étudiants et les plupart de ces exercices résultent d’une intégration de cours des différents professeurs qui animent l’atelier.

L’atelier étant animés par des professeurs de discipline différentes l’évaluation est constituée à la fois par une évaluation continue dont le mode d’évaluation est propre à chaque professeur et par une évaluation intégrée en fin de chaque quadrimestre lors d’une présentation des étudiants devant tout le corps professoral qui anime l’atelier.

S’il est pratiqué, le mode d’évaluation continue est communiqué par chaque professeur aux étudiants en début d’année.

La proportion des notes acquises durant l’année ainsi que celles acquises lors de la présentation des épreuves intégrées est décidées conjointement par les professeurs concernés et communiqué aux étudiants en début d’année scolaire.

La création d’un Story-board est à la base de toute narration visuelle.

D’une part on se familiarise avec une des étapes les plus créatives, ensemble avec le scenario et le concept art, d’une œuvre audio visuel.

D’autre part c’est l’outil de communication par excellence avec le client (étant la première représentation de l’œuvre) ainsi que l’outil de référence pour tous les corps de métiers de la production.

On apprend a prendre les plus grandes décisions (narration, prises de vues, cadrages, rendus visuels) à cette étape.

Réalisateurs acteurs graphistes (animateurs, cameramen, monteurs, ingénieurs de son,….) tout le monde doivent y trouver des réponses.

C’est le cœur visuel d’une « bible de production »

En dehors du domaine classique et connu du cinéma, le story-board intervient aussi dans d’autres domaines comme des créations interactives, des narrations (dans des musées, expo’s… performances ou autre évènements) où l’on souhaite faire évoluer les participants.

Exercices pratiques menant à la découverte de l’influence d’un cadrage et d’un angle de vu.

. Traduire un texte, un concept ou une idée en une
narration visuelle d’une suite d’images
(découpage et suite de cadrages)

· Transformer un extrait de texte ou scénario en
séquences, puis scènes, puis plans.

· Communiquer des données techniques dans les
règles de l’art.

· Créer une narration visuelle cohérente et captivante
choisissant la manière de la dévoiler.

· Rechercher de la documentation, des références
pour mood-boards et concept arts.

Apprentissage par le biais d’exercices pratiques du « langage universel du story-board » (Les codes et indications utilisés et convenus..)

Dans le cadre du cours de Création Multimédia, les élèves découvrent le concept de Game Design et ses différentes facettes théoriques, mais aussi pratiques. Ces notions ne sont pas seulement utiles à la création ludique, mais à tous type de projets où l’interaction est présente.

Les étudiants développent des notions de Game Design, mais aussi une certaine connaissance de l’industrie du jeu et de l’histoire de cette discipline particulière.
Ils développent notamment des connaissances leur permettant de structurer une idée de jeu, tant au point de vue du concept que du système, connaissance qui sont ensuite applicables au développement d’interactions pures.
Ils apprennent finalement des notions liées à des branches plus particulières du Game Design, tel que le Level Design, mais aussi le Game Feel et le concept du Flow.

Le cours alterne la théorie et la mise en pratique. Pour les cours mettant l’accent sur la théorie, les différentes facettes et notions de Game Design sont introduites et approfondies. Ces notions sont parfois appuyées par des exemples. Pour les cours pratiques, il est demandé aux étudiants de se rassembler en groupe et de réaliser une création en commun, mettant en œuvre les notions théoriques des cours précédents. Par ailleurs, il est demandé aux étudiants de tester un nouveau jeu vidéo, chaque semaine, en préparation du prochain cours. Cet exercice a pour objectif de préparer la discussion pour le prochain cours, mais permet également d’approfondir les références ludiques des élèves.

Les réalisations pratiques que les étudiants développent durant l’année sont sujet à une cote. Il est demandé aux étudiants de rédiger un document de Game Design. La cotation de celui-ci, additionnée à celle des travaux pratiques, forme la cote globale d’évaluation pour le cours.

Ce cours d’écriture de scénario reviendra et analysera les différents éléments qui permettent de le mettre en place une conflit, à savoir : « un personnage cherche à atteindre un objectif dans le but d’obtenir quelque chose mais il rencontre des obstacles, ce qui génère du conflit et de l’émotion, pour le personnage, mais aussi pour le spectateur » (Y. Lavandier). Outre l’étude des principaux mécanismes de la dramaturgie à travers des exemples concrets (extraits de long et court métrages, lecture de scénario, etc.), ce cours abordera également la rédaction et la mise en page des différents documents qui précèdent la réalisation d’une œuvre audiovisuelle : le pitch, le synopsis, la note d’intention, la fiche de personnage, le séquencier et enfin la continuité dialoguée.

Le cours sera magistral, mais la participation des étudiants est fortement souhaitable. De nombreux extraits seront montrés et commentés en classe. Supports en ligne (Moodle). Plusieurs textes à lire y seront disponibles.

Tout au long de l’année, chaque étudiant devra imaginer, ensuite structurer et enfin rédiger sous la forme d’un scénario (continuité dialoguée) une histoire originale et personnelle à partir d’un thème donné.

En janvier l’étudiant devra remettre un dossier qui comprend : un pitch, un synopsis, les fiches de caractérisation des principaux personnages et une note d’intention pour un projet de scénario original et personnel.

En juin, l’étudiant devra remettre son dossier à jour ainsi que son scénario complet (continuité dialoguée).

Le cours consiste en une alternance de séances de dessin d’après modèles vivants, de dessin d’espace et d’objets, en intérieur et en extérieur, ainsi que de présentations de techniques jalonnées de présentations d’approches esthétiques diverses. Le cours est structuré autour d’un passage progressif du noir et blanc vers la couleur, à travers des moyens techniques divers et évolutifs (crayon, fusain, encre, pastel, acrylique, aquarelle). Des notions plus spécifiques (anatomie, réflexions sur la couleur, l’outil, l’espace, les lumières, les volumes) sont intégrées au fur et à mesure de l’année et adaptées à l’évolution propre de chaque étudiant.e.

Cours techniques sur site et à l’extérieur accompagnés en présentiel par l’enseignant.

Les étudiant.e.s conservent dans un portfolio un échantillon représentatif de leur travail au cours. Il a pour vocation de témoigner de leur évolution au cours de l’année. Ces portfolios sont remis une semaine avant la fin des cours de chaque quadrimestre à l’enseignant qui s’en servira comme base à l’évaluation. Chaque étudiant présentera à ces échéances son travail lors d’un entretien individuel à l’issue duquel une cotation sera dégagée. La présence au cours, obligatoire, intervient dans l’évaluation, au même titre que la participation active durant celui-ci.

Forts des acquis du cours de photographie technique du bloc 1, le cours AN2 en photo est un approfondissement de vos pratiques en questionnant les usages contemporains de la photographie et ses enjeux narratifs dans le champ des images. Ce cours propose une approche élargie faite d’expérimentations formelles alliant la technique à une réflexion conceptuelle. Les étudiants seront amenés à développer des projets photographiques prenant des formes variées : production de tirages, projets éditoriaux, et mises en espace (installations, vidéos, modélisations 3D…). Ces différentes formes de restitution invitent à interroger le statut de l’image photographique au-delà de la simple capture, en explorant ses modes de diffusion, d’exposition et de narration. Un workshop dédié à la reproduction photographique des projets réalisés dans les autres ateliers permettra de développer une approche professionnelle du rendu des œuvres. Les projets se feront principalement en groupe, favorisant la mise en commun des compétences et une dynamique collaborative. Cette dimension collective s’inscrit dans une approche transversale avec les apprentissages en arts numériques.

Cours technique

Alternance entre la théorie et des exercices pratiques de prise de vue et de post productions. Présence obligatoire, échanges, émulation et travail en groupe. Projection de films et présentations de livres sur les photographes en adéquation avec les projets et les exercices. Suivi des projets. Visites d’expositions photographique obligatoire en cours d’année.

Évaluation continue : Rendus d’exercices liés aux apprentissages techniques. Présence au cours obligatoire, participations, échanges et ouverture culturelle autour de la photographie. Évaluation finale : Remise d’un projet photographique, de culture générale et QCM technique.

Au cours des premières séances, on s’efforcera, après une introduction revenant sur le problème de la "littérarité", de dresser un panorama global des "écritures du moi" et de certaines des questions que ces démarches posent (notamment concernant leur valeur de vérité et leur relation aux processus de construction des identités individuelles et collectives).

Une fois ce cadre conceptuel établi, on tâchera de le mettre à l’épreuve, en interrogeant une série d’œuvres prélevées dans un "réservoir" comprenant les travaux d’Édouard Levé, Michel Houellebecq, Svetlana Alexievitch, Valérie Mréjen, Georges Perec, Joseph Mitchell, Joe Brainard, Guy Debord, Patrick Modiano, Nathalie Quintane, Antonin Artaud, Annie Ernaux, Paul Auster, Alison Bechdel, Maggie Nelson, etc.

À chaque fois, la réflexion sur un.e écrivain.e sera initiée par des considérations contextuelles permettant de faire apparaître la singularité de l’œuvre envisagée en la resituant par rapport à des enjeux plus larges : par exemple, le problème des interférences entre littérature et pratiques issues du monde de l’art contemporain, le débat sur la possibilité d’une prise en charge de l’indicible par le langage, le rapport de l’écriture autobiographique à la mort ou à la dialectique singularité/collectivité, etc.

En se penchant sur des "objets-limites" dont la littérarité fait question, le cours s’articulera notamment autour d’une problématique récurrente : la mise en déroute des modèles narratifs orthodoxes (structures linéaires proposant des agencements d’événements fondés sur des liens de causalité) par des formes d’écriture cherchant à "épuiser" le réel et illustrant la compulsion d’exhaustivité à l’œuvre chez bien des autobiographes.

Essentiellement magistral mais ménageant de nombreuses plages d’échange et de discussion, l’enseignement s’appuie sur la lecture de textes littéraires ou, ponctuellement, théoriques (Lejeune, Gusdorf, Beaujour, Marin, Butler, Ricœur...), dont certains seront mis à disposition des étudiant.e.s directement par l’enseignant. Sur base de ce matériel, les exposés s’efforceront :

• d’alterner mise en évidence de phénomènes d’ensemble (distant reading) et focus faisant droit aux singularités d’écriture des œuvres (close reading). Plus précisément, on veillera à adopter par rapport aux objets d’étude un double point de vue - 1/ esthétique ou "interne" (attention portée aux créateur.rices comme agents capables d’innovation, et à l’œuvre comme entité autonome, tirant parti de formes et de figures spécifiques pour produire certains effets) ; 2/ diachronique (point de vue sociologique et transhistorique réinscrivant les œuvres dans les contextes culturels, sociaux et médiatiques qui les rendent possibles, et mettant en exergue les continuités, filiations, mutations et ruptures qui scandent l’histoire littéraire).

• de mettre en évidence la capacité de la littérature, en tant que moyen d’expression, à agir 1/ comme révélateur et espace de traitement des tensions qui agitent les sociétés, 2/ comme acteur à part entière du débat public, et 3/, plus globalement, comme vecteur d’un questionnement adressé à la condition humaine.

• d’introduire aux usages variés dont la "chose littéraire" fait l’objet (pratiques de déterritorialisation, d’hybridation, etc.), dans une perspective résolument interdisciplinaire et en ouvrant la discussion à d’autres lieux que ceux envisagés traditionnellement lorsqu’il est question de littérature (musée, télévision, web, etc.).

Des supports PowerPoint (à compléter par la prise de notes) sont communiqués aux étudiant.es.

Production d’un « objet » d’art (quel qu’il soit : dessin, animation, programme, texte, image, performance…) qui mobilisera un ou plusieurs aspect(s) du cours et servira de base à un examen oral présentiel portant sur toute la matière du cours.

Objet du cours : Introduction à la diversité de la création musicale.

Ce cours se compose de 3 parties :

Une brève analyse historique de l’apparition des formes musicales en relation avec l’évolution des sociétés humaines primitives (musique pour la transe, chants de guérison, chants de guerre, invocations, cérémonies rituelles…)
Introduction à un choix de styles musicaux contemporains couvrant un large répertoire (des chants pygmées à la musique accousmatique en passant par le jazz contemporain et les recherches actuelles en musicothérapie). Cette partie du cours occupera l’essentiel des séances et combinera écoute d’extraits musicaux avec la mise en relation des extraits choisis.
Un cours s’attachera spécifiquement à la notion de rythme (centrale dans toute pratique artistique) et traitera de la composition rythmique en tant que fondement de toute création artistique (exemples choisis dans le nô japonais et les ragas de la musique indienne)

Cours magistral,

Écoute d’extraits musicaux,

Exercices de rythme

Jam session

Examen QCM musical

Exercice de création sonore sur une séquence d’images (poésie sonore)